CULTURA

Sincronizada com o Halloween, a Cinemateca Francesa, em Paris, exibe a mostra "Vampiros, de Drácula à Buffy". Com trechos de filmes, livros, fotografias, pinturas, serigrafias, esculturas e até mesmo peças célebres dos figurinos de "Nosferatu", de Werner Herzog, e "Entrevista com o Vampiro", de Neil Jordan, a exposição recompõe como esse misterioso personagem é retratado ao longo da História. Do ilustre romance de Bram Stoker aos longas de Tod Browing, de 1931, e Francis Ford Coppola, de 1992, a exposição destaca a figura do vampiro no cinema e na literatura. Também resgata a trajetória deste misterioso personagem nas artes plásticas - por Andy Warhol, Basquiat, Niki de Saint Phalle, Goya. Mas, ao ser levado para a TV - com séries como "Buffy, a Caça Vampiros", "True Blood" ou "The Strain" - o vampiro se transforma em um ícone pop e passa a ser utilizado até mesmo na publicidade, como explicou à RFI o curador da mostra, Matthieu Orléan. "A ideia é apresentar ao público uma vasta gama de representação dos vampiros, desde o fim do século 18, para mostrar em que ponto esse mito teve uma hereditariedade tão forte." Segundo ele, tudo começou nas histórias orais que as pessoas do leste da Europa contavam e que se espalharam pelas grandes capitais do oeste europeu, como Londres e Paris. "Em seguida, tudo isso se cristalizou na literatura e tornou cults livros como 'Drakula', de Bram Stoker, de 1897, que fixou esse personagem no imaginário coletivo. Também se cristalizou no cinema, a partir de 1895, quando os vampiros começaram a aparecer nas telonas. Além disso, me interessei e quis mostrar as  transformações e mutações do vampiro em outras práticas artísticas", afirma. Vampiro pop e político Muito além dos míticos Dráculas interpretados por Bela Lugosi e Gary Oldman, ou Nosferatu, interpretado por Klaus Kinski, o percurso da exposição leva o visitante a descobrir as diversas faces que o vampiro encarna ao longo da história, a partir da Idade Média até os dias de hoje, oscilando entre representações poéticas, eróticas, pops e até mesmo políticas. "A figura do vampiro é utilizada em caricaturas desde 1870 para criticar a ascensão do nacionalismo alemão. O mesmo acontece durante as duas Grandes Guerras. O vampiro aparece também em desenhos anticapitalistas, que mostram donos de empresas encarnando esses personagens. Na imprensa, de antigamente e de hoje, o vampiro estampa publicações e capas de revistas e jornais. Se você vai a qualquer manifestação atualmente, os políticos são representados como vampiros", observa Orléan. A RFI conversou com alguns visitantes da exposição, como a professora francesa Leila, que levou um grupo de alunos à Cinemateca Francesa. Para ela, o mais interessante no personagem do vampiro é seu paradoxo de personalidades. "O percurso da exposição mostra que vampiros são monstros, mas também sedutores. Para mim, é importante que meus alunos, adolescentes, possam descobrir esse universo que hoje se tornou algo extremamente romantizado, especialmente devido a séries de TV, e o vampiro acabou perdendo sua aura de nobreza." A mexicana Gloria, veio a Paris a turismo com o marido e foi conferir a mostra. "Somos fãs de cinema e adoramos os filmes e todas as versões de Drácula. A exposição é excelente e completa, tem muito senso de humor e destaca as diferentes faces dos vampiros: a que eu mais gosto é esse lado erótico do personagem", afirma. Monstro, ídolo, sex symbol retrô ou contemporâneo, a fascinação pelo personagem do vampiro atravessa séculos e transcende gerações. A exposição "Vampiros, de Drácula à Buffy" fica em cartaz na Cinemateca Francesa até 19 de janeiro de 2020.  

Edgar Degas (1834-1917) é um dos maiores pintores impressionistas, famoso por suas obras que retratam bailarinas. A exposição em cartaz neste momento no Museu d’Orsay em Paris, confirma a fama, mas amplia a visão sobre sua produção. "Degas na Ópera" reúne os quadros, desenhos e esculturas que marcaram a carreira do artista francês, de seu início como pintor nos anos 1860, como o quadro "Petites filles spartiates provoquant des garçons à la lutte" (Meninas espartanas desafiando meninos) até quase sua morte em 1917. Fascinado pelo universo das bailarinas, que lhe permitia transformar a música, sua paixão, em desenho, Edgar Degas frequentou a Ópera de Paris durante vários anos. Além dos corpos das dançarinas e seus movimentos   em cena, no camarim, em sala de aula  , reproduziu o espaço, a arquitetura e também os frequentadores assíduos da instituição que era um local central de sociabilidade na segunda metade do século 19 em Paris. A Ópera foi o laboratório de Degas explica à RFI uma das curadoras da mostra, Leïla Jarbouai : "A Ópera era o espaço, o universo onde Degas experimentou todas as técnicas que trabalhou durante sua vida. Foi na Ópera que ele realizou a única escultura que expôs ainda vivo, que ele experimentou o ‘monotype’, um tipo de desenho novo, sem contorno, por impressão. Foi na Ópera que desenvolveu um formato original, o formato do leque, inspirado justamente no acessório feminino das espectadoras. Ele utilizou igualmente o pastel, esta poeira de cores que reproduz a magia das roupas cintilantes de dança”. "A pequena bailarina de 14 anos" A única escultura exposta por Degas em vida é sua obra-prima: “La petite danseuse de 14 ans” (A pequena bailarina de 14 anos). A obra em bronze, cópia da original feita em cera entre 1865 e 1881 que revolucionou os parâmetros estéticos da época e inaugurou a escultura moderna, ocupa um lugar central na exposição. Seu realismo, como as outras obras que compõem a mostra, revela os bastidores da Ópera e critica esse universo. Degas pinta os frequentadores assíduos, homens elegantes de fraque e cartola, predadores sexuais do século 19 que exploravam as dançarinas, quase sempre pobres e menores, como a adolescente Marie Van Goethem, que serviu de modelo para a escultura. Muitas vezes adota o ponto de vista destes homens, pinta as dançarinas de muito perto, enquadrando apenas detalhes dos corpos, e conferindo a sua obra uma perspectiva de movimento, que chamou a atenção da turista brasileira Cristina Rocha: “Ele me parece um aficionado pela dança. Ele retrata as dançarinas, a Ópera, o teatro, os movimentos. (...) Para mim, a pintura dele dá uma sensação de movimento, ele retrata as posições de uma maneira que me parece movimento, seria essa a palavra”, define a psicóloga que visitou Paris pela primeira vez e teve a “felicidade de encontrar a exposição de Degas” no Museu d’Orsay. A também psicóloga Vera ficou mais impressionada pelo universo retratado pelo artista francês: “É interessante que você pode ver os hábitos de uma época com os quadros e mesmo com os desenhos dele: quem habita a Ópera, a plateia e os artistas. Muito interessante! Os hábitos do café, do bar depois, alguém tocando uma música, alguém no piano, a dança, o exame de dança, o entorno da vida artística.” Pintor das bailarinas? Apesar do fascínio de Degas pelo mundo da dança, a curadora Leïla Jarbouai ressalta que ele não pode ser resumido como o “pintor das bailarinas”: “Ele dizia que as bailarinas eram um pretexto para pintar belos tecidos e movimentos. (...) Na verdade, ele se inscrevia em uma tradição da história da arte. Ele queria se unir aos grandes mestres e com as bailarinas contemporâneas ele encontrava a beleza do balanço rítmico dos gregos, a harmonia coreográfica dos quadros de história de Nicolas Poussin, por exemplo, ou Andrea Mantegna, artista que ele admirava muito. As bailarinas lhe permitiram conciliar a modernidade e a tradição, o permanente e o fugitivo, e fazer com que sua arte seja algo que não envelhece e continua encantando os visitantes pela beleza também do material usado para traduzir esse universo em movimento.” A exposição "Degas na Ópera", que integra as comemorações dos 350 anos da Ópera de Paris, fica em cartaz até o dia 20 de janeiro de 2020. Para quem não pode assistir, fica a dica, o Masp de São Paulo possui uma cópia da escultura “A pequena bailarina de 14 anos”.

Há cinco séculos morria Leonardo da Vinci, um dos grandes gênios de todos os tempos. Depois do apogeu na Itália, ele veio passar seus últimos três anos de vida no Vale do Loire, na França, onde morreu no dia 2 de maio de 1519, aos 67 anos. O convite para Leonardo da Vinci fazer parte da corte francesa veio por parte de François I, grande mecenas que implantou o Renascimento na França, incontestável potência após a vitória na Guerra dos Cem Anos. “Da Vinci era um homem relativamente idoso, para a época. O convite de François I é uma proposta muito lisonjeira para o artista. Na Itália, especialmente em Roma, Leonardo sofre a concorrência de uma nova geração, a de Rafael e Michelangelo”, explica Jean-Louis Sureau, diretor do Castelo de Amboise. O castelo fica à beira do vale do Loire, conhecido por suas belas propriedades renascentistas bem preservadas e seus vinhos. “François I cresceu em Amboise, aqui era sua casa e aqui a corte viveu os primeiros anos de seu reinado”, explica Sureau. Leonardo ganha como moradia e local de trabalho o palacete que é hoje conhecido como Clos Lucé, a cinco minutos a pé do Castelo de Amboise. Clos Lucé é hoje uma propriedade particular aberta ao público, com aposentos restaurados e muitas obras interativas que destacam as múltiplas facetas de Leonardo como inventor, astrólogo, músico, cientista, engenheiro, anatomista, pintor, escultor, arquiteto, botânico e poeta. Outra atração da propriedade é um jardim renascentista à italiana, com protótipos de projetos de Da Vinci. Um grande quadro no castelo de Amboise ilustra a morte de Leonardo nos braços de François I. Uma lenda que nunca aconteceu, como explica Jean-Louis Sureau: “O quadro foi feito no século 18. O pintor [François-Guillaume Ménageot] não fez uma pesquisa histórica, ele usa uma narração do final do século 16, ou seja, também distante de quando o fato ocorreu. Ele tinha a instrução de colocar em destaque o rei da França. Então temos Leonardo da Vinci, morrendo nos braços de François I. Mas sabemos, historicamente, que nesse dia, o rei não estava em Amboise. Com o objetivo de se manter sob proteção real depois da própria morte, Leonardo faz um testamento onde pede para ser enterrado no castelo real. O rei lhe concede o privilégio, normalmente reservado à nobreza e ao clérigo. Mas o túmulo de Leonardo sofreu as consequências de três séculos de abandono e acabou se perdendo. Em 1863, uma missão arqueológica acabou encontrando os restos do artista, que foram transferidos para a capela do castelo, onde está até hoje, em destaque. “Nos três últimos anos de sua vida, Leonardo não tem, evidentemente, o mesmo vigor de quando era jovem. Mas ele continua trabalhando, fazendo esboços e desenhos. Conhecemos mais a sua pintura, mas ele tinha talentos múltiplos. Aqui em Amboise, ele foi uma espécie de diretor de eventos. Em 1518 ele organizou grandes festas, com muita imaginação para shows. Esses eventos marcaram a primavera daquele ano”, relata o diretor de Amboise. Quando Da Vinci chega à França, ele traz três quadros: Santa Ana, São João Batista e, a Monalisa. “Ele deixou a impressão de que não estava satisfeito com esses quadros, uma vez que era um perfeccionista. Talvez ele quisesse, até o final da vida, retocar ou completar as obras”, diz Jean-Louis Sureau. O Museu do Louvre em Paris comemora os 500 anos da morte de Leonardo da Vinci com uma grande retrospectiva, de 24 de outubro de 2019 a 24 de fevereiro de 2020. Em destaque, Santa Ana, São João Batista e, claro, a Monalisa, quadros que hoje fazem parte do acervo do Louvre.    

A galeria 2 do último andar do Centro Pompidou abre espaço para uma retrospectiva do trabalho de Francis Bacon (1909-1992), um dos artistas mais celebrados do século 20. O nome da mostra é “Francis Bacon com todas as letras”. Conhecido por suas obras figurativas deformadas e agonizantes, a exposição de Bacon traz 60 quadros de coleções públicas e privadas do mundo todo – incluindo 12 trípticos e uma série de retratos e autorretratos – e se concentra na produção das duas últimas décadas de vida do pintor. O ano de 1971 foi marcante para Bacon. Ele foi tema de uma retrospectiva no Grand Palais, de Paris – só Picasso antes dele teve a honra de expor ali em vida. Dois dias antes da vernissage, seu companheiro George Dyer se suicida. A partir daí, até a morte de Bacon na Espanha, em 1992, os pesadelos e a fantasmagoria em pinceladas etéreas ou selvagens se espalham pelos seus quadros. “Achei a exposição excepcional”, diz o artista plástico brasileiro Fernando Barata, radicado na França, viu a exposição e fala a respeito. “Há muitos trípticos, pois ele trabalhava muitas vezes em três telas ao mesmo tempo. São obras vindas de todo o planeta e reunidas em Paris. Livros Bacon volta agora ao Pompidou mais de 20 anos depois da última grande exposição em Paris dedicada a seu trabalho, em 1996. Desta vez, o fio condutor é a conhecida paixão do artista pela literatura, que alimentou suas inspirações visuais. Por isso, o nome da exposição, “Francis Bacon com todas as letras”. O curador Didier Ottinger conta que a ideia da mostra veio durante uma visita à Fundação Bacon, em Londres, no antigo ateliê do artista. “Havia muitos livros, todos com a particularidade de terem sido manuseados, com anotações, dobras, rasuras. Assim me dei conta da paixão que ele tinha pela leitura”, conta. “Depois eu soube que a biblioteca do Trinity College, de Dublin, tinha todos os livros de Bacon, tudo inventariado. Analisando essa biblioteca, eu vi que algumas obras, alguns autores eram recorrentes”, explica Ottinger. O percurso é dividido em seis partes, cada uma ligada a um livro, a um autor. Como Ésquilo, Friederich Nietzsche, Georges Bataille, Michel Leiris, Joseph Conrad e T.S. Eliot. Em um vídeo da exposição, Bacon fala da importância da literatura em sua vida e diz que gosta de livros que o inspiram visualmente. “Não acho que sua obra seja necessariamente literária, ele não descreve literariamente os livros que ele leu”, opina Fernando Barata. Ele dá como exemplo de artista mais literária a portuguesa radicada em Londres Paula Rêgo. “Bacon era uma pessoa muito culta, enigmática, difícil de decifrar, como todo grande artista”, diz Barata. “Ele tinha um lado atormentado e caótico, e outro, muito culto e civilizado. Ele vivia entre o caos e a organização desse caos. A literatura e a pintura funcionavam como antídotos para essa loucura, esse vulcão interior”. “Francis Bacon com todas as letras” fica em cartaz no Centro Pompidou de Paris até 20 de janeiro de 2020.

“The Way She Dies”. “Como ela morre”. É a peça que o dramaturgo português Tiago Rodrigues, 42 anos, apresenta no Festival de Outono, em Paris, durante quase um mês. Os ingressos se esgotaram rapidamente para todas as apresentações antes mesmo da estreia. No palco, dois casais, um de portugueses, e outro, de belgas. O fio condutor de idas e vindas no tempo é o livro “Ana Karenina”, de Leon Tostói. Não se trata de uma releitura do romance de mais de mil páginas. É uma desculpa, uma inspiração, para Rodrigues construir uma história própria, de amor, paixão, desejo, separação. É uma trama de línguas: a peça se passa em português, em neerlandês e em francês. Na década de 1970, em Lisboa, o casal é formado pelos atores Isabel Abreu e Pedro Gil. Ela está apaixonada por um outro homem, um belga, e tenta aprender francês para se comunicar com o amado. O método escolhido é um volume de “Ana Karenina”, em francês. Quase 50 anos depois, um outro casal, em Antuérpia, se separa. O homem tenta racionalizar a ruptura, tendo nas mãos a velha edição de “Ana Karenina”, em francês, herdado da mãe portuguesa. Os atores são Jolente De Keersmaeker, Frank Vercruyssen, do grupo belga tg STAN. Tiago Rodrigues explica o título da peça, “Como ela morre”. “Quando Gabriel García Márquez diz, no início de ‘Crônica de uma morte anunciada’, que Santiago Nasar vai morrer às 7h30 da manhã, passamos o livro todo à espera que ele não morra, e quando ele vai abrir a porta daquela cozinha nas últimas páginas, nós gritamos, ‘Não abra a porta! Não abra a porta!’”, relata Rodrigues. “Sabemos que ele vai morrer. Mas essa implicação do detalhe, como é que nós, pessoal ou coletivamente, num determinado tempo, num determinado país, lemos aquela história. O mais importante, como é também o caso em 'The Way She Dies', não é se Ana Karenina vai se salvar, mas a questão é como podemos usar Tolstói e perceber como ela morre para falarmos do nosso tempo. Acho que é por isso que voltamos aos textos clássicos, às grandes histórias, aos mitos”, reflete o autor, que já revisitou os gregos, Shakespeare e Flaubert, entre outros. Um dos grandes nomes do teatro atual, Tiago Rodrigues é diretor artístico do renomado Teatro Nacional Dona Maria II, de Lisboa. O palco é um mundo para ele, literalmente. Além da longeva colaboração com o tg STAN, ele cria e interpreta sem parar, em parcerias internacionais. Nesta edição do Festival de Outono, ele também é coautor do espetáculo “Please Please Please”, junto com a performática espanhola La Ribot e a coreógrafa francesa Mathilde Monnier. Apreensão com o Brasil Ele também acompanha o drama cultural do Brasil com apreensão. “Tenho relações muito fortes com vários artistas brasileiros com quem já trabalhei, já me apresentei várias vezes no Brasil”, diz o artista. “Vejo com muita preocupação a situação no Brasil sob a administração Bolsonaro. Ao mesmo tempo, é imparável a diversidade, a força e a coragem artística brasileira, não só do teatro”, acrescenta. Ele diz que é preocupante a forma como os editais estão sendo modificados diante da pressão política sobre as instituições culturais, além do sério risco de surgir uma censura oficial.   Em março de 2020, Tiago Rodrigues participa do MITsp, a Mostra Internacional de Teatro de São Paulo, onde ele vai apresentar as criações “Sopro” e “By Heart”. “The Way She Dies” fica em cartaz no Théâtre de la Bastille, em Paris, até 6 de outubro.